Postimpresionismo fue un término designado para los artistas de estilos pictóricos de fines del Siglo XIX y principios del XX. Término hechopor Roger Fry refiriéndose a las obras de Cézanne, Gauguin y Van Gogh, para una exposición realizada en Londres den 1910.
Se usaron colores vivos, pinceladas distinguibles y temas de vida real, pero llevaron más emocion a su pintura.
Aunque los post-impresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo. Georges Seurat, denominado neo-impresionista por sus criterios más próximos al impresionismo, inventó una técnica denominada puntillismo, cuyo ejemplo más destacado es el cuadro Un domingo de verano en la Grande Jatte [1](1884-1886, Art Institute de Chicago).
La obra de Cézanne, Gauguin y Van Gogh se caracterizó por un uso expresivo del color y una mayor libertad formal. Cézanne se interesó por resaltar las cualidades materiales de la pintura, representando seres vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre superficies, como en Pinos y rocas (1895-1898, MoMA, Nueva York). Su interés por las formas geométricas y la luz prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó los experimentos del cubismo.
Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad comunicadora del arte popular, se centró en la representación a base de superficies planas y decorativas, como se aprecia en la obra Calvario bretón (1889, Palacio de Bellas Artes, Bruselas). Van Gogh, por su parte, se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Su experimentación subjetiva, ejemplificada en Noche estrellada (1889, MoMA de Nueva York), preludió el expresionismo. Henri de Toulouse-Lautrec estuvo fuertemente influido por las composiciones lineales de los grabados japoneses, y su obra se caracterizó por los intensos grabados de contorno y los colores planos.
El neoimpresionismo es una palabra creada por el crítico de arte francés Félix Fénéon en 1887, refiriéndose al movimiento artístico de fines del Siglo XIX de Seurat y Signat.
Se veía una nueva lectura del color y la línea en la práctica de los artistas ya mencionados y el transfondo teórico de los escritos de Chevreul y Blanc.
El neoimpresionismo, también conocido como divisionismo o puntillismo por la ténica utilizada, es una modalidad estilística del impresionismo desarrollada por Seurat y Signac.
Las características principales del neoimpresionismo son:
- Preocupación por el volumen. - Formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin perfiles). - Preocupación por el orden y la claridad. - Retorno a la ordenación meditada del cuadro, aplicando los principios clásicos de la composición. - Aplicación firme del principio de la mezcla optica: los tonos son divididos o descompuestos en los colores básicos puros para que el ojo los restituya en la visión lejana normal. - Utilización de la técnica del puntillismo: los cuadros son pintados mediante pequeñas pinceladas o punteados de colores puros para así lograr la mezcla optica. - Predilección por asuntos como puertos, orillas de rios y escenas circenses (Signac).
Las influencias del neoimpresionismo son las mismas que los impresionistas pero con mayor peso de las teorías ópticas de Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores.
• Se desarrollo principalmente en Francia • Intenta plasmar momentos de la vida cotidiana. • Muestra un gusto único por el paisaje. • Se representa través de una técnica de toque, ligera, corta y sin retoque. • Trata de reproducir el movimiento y dinamismo, plasmando luces y efectos. • Evita el contraste entre la figura y su fondo. • Crea una atmósfera sutil a partir de la naturaleza. • Los compositores no aceptaron reglas y no daban prioridad a sus sentimientos.
Su objetivo era conseguir una representación del mundo espontáneo y directo.
Parte del análisis de la realidad. Se busca reproducir la percepción visual del autor en un momento determinado, con las luces y los colores reales del ambiente real. No se preocupan por el objeto en sí, sino por las variaciones cromáticas que sufren a lo largo del día. Eliminaron detalles minuciosos, empleaban colores primarios y complementarios consiguiendo la ilusión de realidad por medio de la aplicación de pinceladas cortas y sobrepuestas.
Las principales figuras de este movimiento fueron: Edouard Manet
Nació el 22 de enero de 1823 en Francia. Sus pinturas se caracterizan por contar con un estilo naturista. Además plasmaban la realidad sin alteración alguna dando lugar a escándalos y polémicas como sucedió con "Desayuno sobre la hierba"
"Olimpia": que representaba el desnudo de una prostituta. Utilizó la pincelada rápida y empastada.
Falleció el 30 de abril de 1883.
Claude Monet
Nació el 14 de noviembre de 1840 en Francia. Su máxima preocupación era plasmar la vibración cromático lumínica en sus lienzos. Sus temas preferidos son los marinos, las escenas fluviales y los paisajes; como: "Impresión atardecer" "Las amapolas" "La estación de San Lázaro"
Falleció el 5 de diciembre de 1927.
Edgar Degas
Nació el 19 de julio de 1834 en Francia. Desarrollaba temas como bailarinas y las carreras de caballos; destacan: "Clase de danza"
Falleció el 27 de setiembre de 1917.
Pierre-Auguste Renoir
Nació el 25 de febrero de 1841 en Francia. Ofrece una interpretación más sensual del impresionismo. Plasma la alegría de vivir, temas florales, desnudos femeninos, etc. Por ejemplo: "El palco"
Hasta la segunda mitad del siglo XVIII el estilo que primó fue el Clasicismo. A partir de este momento se dará un giro radical en la Historia de la Pintura. Lo habitual era el que los artistas expusieran en el Salón Oficial. Los nuevos artistas (conocidos como "Los Rechazados") por el contrario, tenían que buscar otros lugares alternativos que les permitieran exhibir sus obras. Así, la primera exposición impresionista tuvo lugar el 15 de abril de 1874, en el Salón del fotógrafo Nadar. Se presentaron bajo el nombre de "Sociedad Anónima de pintores, escultores y grabadores". Intervinieron entre otros artistas de la talla de Monet, Pissarro, Renoir, Sisley, o Cézanne.
A partir de este momento las exposiciones se irán sucediendo progresivamente en el tiempo y con sedes diferentes. Al esplendor del estilo le sucederá el declive, ya que se verá desbordado por la aparición de otras preocupaciones y presupuestos diferentes. Así surgirán varios estilos diferentes que se engloban bajo el nombre genérico de "Neoimpresionismo".
El objetivo principal del impresionismo fue sustituir el ideal dominante de "Belleza" por el nuevo de "Libertad". Para entender este paso hay que indagar en el contexto historico-social:
Impacto del ferrocarril Impacto del óleo en tubo Impacto de la Naturaleza y de la Luz Impacto del Tiempo (era de los relojes)
Relación de las estampas japonesas con el impresionismo
En el impresionismo, es destacable la difusión de las estampas japonesas, unas que fueron sumamente populares, que no necesariamente seguién las pautas del arte chino. Estas estampas imitaban las vistas de Hokusai, las escenas de Utamaro y de Hiroshige, personalizando lo japonés.
Estas estampas fueron difundidas como envoltorios al desarrollarse el comercio con Estados Unidos y por la normalización de las relaciones diplomáticas a partir de 1859.
Estas estampas llamaron mucho la atención por la presentación espontánea y casual de los objetos, con un punto de vista fijo. Afirmaron la validez del principio de representar las cosas como se ven, y no como son, potenciándose el papel de la percepción y de las sensaciones. Esto coincide con las investigaciones de von Helmoltz, que define la planitud de la visión instantánea. Además, puede observarse con las obras de Chevrul,creador de la teoría de la descomposición prismática de luz, de acuerdo con lo que él llama Ley de contrastes simultáneos, cómo se reconocen los objetos gracias a la luz
Las estampas japonesas de este tipo fueron de gran importancia para el desarrollo del impresionismo pues estas tenían ya el estudio de cómo se presentaban los objetos como se ven, por los colores y formas, es por eso que el impresionismo y las estampas japonesas tienen relación.
Surge después de la revolución francesa en el año 1848. Los constantes fracasos revolucionarios hicieron que las representaciones artísticas se enfoquen más en temas sociales dejando de lado los temas políticos. Los artistas, al ver las condiciones de vida económicas y sociales que se daban en tal época, sirvieron para tomar conciencia de los terribles problemas sociales como el trabajo de niños y mujeres, los horarios excesivos de jornadas laborales, etc.
La Escuela de Barbizón fue la mejor manifestación del realismo puro, logrando increibles paisajes. Fue creada por Rousseau. Para lograr tal calidad de pinturas, estudiaron objetiva y directamente a la naturaleza para ser capaces de plasmar con exactitud los sentimientos que ésta les despertaba.
Destacaron dos grandes pintores franceses:
JEAN FRANCOIS MILLET
Nació el 4 de octubre de 1814 y fue uno de los fundadoras y máximos representantes de tal Escuela. Se destaca por sus escenas de campeinos y granjeros todos humildes, cabizbajos, pesismistas y agotados por su jornada laboral. Sus obras más características son:
Las espigadoras: los personajes se sitúan en primer plano, dándoles la categoría de heroínas y la iluminación que se le aplica enfatiza mucho el dramatismo de la escena ya que vemos 3 campesinas inclinads recogiendo restos de una cosecha, mostrando el duro trabajo por el que pasaban estas mujeres.
Los Gavilladores
El Ángelus
Falleció el 20 de enero de 1875.
GUSTAVE COURBET
Nació el 10 de junio. Era un personaje que carácter muy especial por lo que se le suma una fama de arrogante y efectivista, pero a pesar de todas las polémicas que causaba, sabía cómo disfrutar de su éxito. Sus obras más importantes son:
Un entierro en Ornams: apreciamos un entierro en tal pueblo donde asisten los aldeanos y el clero mostrándose diferencias entre ellos.
El Taller: denota la forma de ser del propio artista.
Características del Realismo La característica principal es el estudio sobre la realidad oponiéndose al romsnticismo al no idealizar la sociedad, ni la naturaleza, ni el pasado. También se caracteriza por que los artistas se centran en temas más corrientes, dejando de lado lo mágico y sobrenatural, además de temas políticos, centrándose en el tema social; retratando así la vida cotidiana, etc. Características del Romanticismo Su principal característica es su enfoque en la expresión y los sentimientos dejando de lado la belleza. Imponiendo el gusto por lo exótico, valorando lo distinto, buscando lo nuevo e insólito, lo cual provoca mucho mas placer estético que la belleza. Por medio del arte se busco expresar el interior del artista, mostrando mundos oscuros, sueños, etc. Características del Neoclasicismo Se plantea un espacio preciso en el que los personajes ocupan un primer plano, predominando el dibujo frente a la pintura, siendo un arte frío y racional, opuesto a lo barroco. Se caracteriza por la luz uniforme, un perfecto estudio de la anatomía, los elementos se reducen estrictamente a los necesarios. Se cultivo además de lo histórico, el retrato y el paisaje.
El realismo pictórico intentó plasmar la realidad tal cual, sin idealizar la belleza de nada. Consiguió su máximo expresión en Francia, en la mitad del siglo XIX.
Acude a una cierta actitud del artista frente la realidad que deseaba representar, mirándolo no como una copia exacta, pero ajustándose a una visión generalizada, imparcial.
Su fuente de inspiración es la realidad, no admite que la belleza de algo sea idealizada o embellecida, se representa la belleza peculiar de todo.
Este movimiento nace de artistas más inquietos que de proceso gradual fueron haciendo obras más objetivas, con otros planteamientos ideológicos. La pintura académica evidenciara una atención mayor hacia la observación directa de la naturaleza y la realidad del momento.
En esa época habían muchas guerras y revoluciones que fueron plasmadas en las obras, además de la vida de las clases sociales más pobres, no mostrando siempre un hiper-realismo, pero sí la realidad de la situación.
ESCULTURA
Tendrá mucho menor desarrollo que la pintura. La burguesía conservadora, cliente de los artistas, mostrará interés en adornar las ciudades con esculturas monumentales en edificios y jardines, realizadas en materiales nobles (bronce y mármol). También adornará el interior de sus casas con esculturas de pequeño tamaño, no sólo de bronce y mármol sino de terracota y cerámica. Los temas preferidos serán el retrato, generalmente bustos inspirados en los romanos y renacentistas, y los animales, así como los de carácter social.
Constantin Meunier (1831-1904). Muy realista, en sus bronces representa la temática de la clase obrera en el trabajo. Sus figuras están llenas de dignidad en su sufrimiento (El minero, El pocero).
El arte romántico nace como un arte revolucionario porque busca conseguir cambios sociales, políticos, culturales, etc. Los artistas de ésta época se emocionaron con la posibilidad de representar lo subjetivo como la exaltación del héroe y del combatiente.
Dentro de sus máximos exponentes, destacan:
JEAN-LOUIS ANDRÉ THÉODORE GÉRICAULT
Pintor francés de carácter sensible debido a la dura infancia que le tocó vivir. Posee las características típicas de un pintor de aquella época: - Era un artista disconforme con su entorno - De personalidad melancólica - Se encierra en uan incomprensión extrema, que puede convertirse en locura - Critica todo lo que lo rodea Se concentraba en representar escenas violentas como forma de protesta. En la mayoría de sus obras veremos la continua presencia de caballos que representan una fuerza vital bruta.
Dentro de sus principales obras encontramos:
- RETRATO DE UN OFICIAL DE LA GUARDIA REAL A CABALLO.- Se produce la exaltación de la guerra. Usa una nueva técnica que rompe con la estructura clásica y como podemos notar, le da mucha importancia al color.
- CARRERA DE CABALLOS SALVAJES DE ROMA.- Predomina el uso de tonos ocres y muestra el momento frenético de los caballos.
- LA DOMA DE LOS TOROS.- Se da en un paisaje rural y representa un encuentro de fuerza bruta de un animal frente a un hombre.
- LA BALSA DE MEDUSA (1819).- Se inspiró en un hecho real que trataba del error de un comandante que da como resultado el naufragio de una embarcación. Lo que pretendió fue denunciar de manera pública la incompetencia de algunos oficiales.
- LOS ESCLAVOS TRATANDO DE PARAR LA CARRERA DE CABALLOS (1817)
- BALSA DE SOLDADOS HERIDOS (1818)
- MUERTE DE HIPÓLITO.
FERDINAND VICTOR EUGENE DELACROIX
Pintor francés del estilo romántico por excelencia y admirado por ser un personaje muy culto.
Se esforzó por mejorar y crear procedimientos pictóricos, técnicas, etc.
Lo que expresaba a la perfección era el sentimiento de profundo de dolor y de sentimientos exaltados pero también con ciertas pasiones de la época como el liberalismo revolucionario, pesimismo byroniano, orientalismo contemporáneo, etc.
Principales obras
- LA BARCA DE DANTE (1822).- Abre un viaje interior donde el mismo artista se incluye
- LA MATANZA DE QUIOS (1824).- El tema es la Guerra de la Independencia de Grecia, donde prima el espíritu del pueblo y el sentimiento nacionalista. En esta escena podemos notar cómo los griegos piden clemencia pero el turco ni los escucha.
- LA MUERTE DE SARDANÁPALO (1827-1828).- Muestra la escena en donde le rey de Sardanápalo resiste el ataque de todas aquellas mujeres que habían sido sus favoritas.
- LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO (1830).- La libertad como independencia nacional es el tema de esta pintura netamente realista donde se representa la exaltación popular que le puso final al régimen de la monarquía restaurada.
Este movimiento cultural nació en Europa a finales del siglo VXIII. Se extendió desde Inglaterra hasta Alemania e incluso en países de Latino América. Fue una reacción al racionalismo de la ilustración y clacisismo. Buscaba la libertad pero con rasgos revolucionarios exaltando el "yo" en una de sus corrientes, el
Surrealismo. Se desarrolló especialmente en literatura, arte y música.
Entre las principales características encontramos la ya mencionada, exaltación del "Yo.", la supremacía de un sentimiento profundo, la tendencia nacionalista, la originalidad y la creatividad, además de amor por la naturaleza. Quiebran las tradiciones que puedan interferir con su libertad. Renueva y enriquece e lenguaje. Representó el deseo de libertad del individuo, de las pasiones.
Los autores rechaaban el materialismo burgués, el idealismo chocaba con una realidad miserable que muchas veces terminaba en suicidio de un romántico.
ESCULTURA
El romanticismo en cuanto a escultura tuvo cierta similitud con el neoclásico pues la anatomía humana tuvo gran importancia y destreza al momento de ser trabajada, y los escultores no estuvieron sujetos únicamente al trabajo en mármol, sus obras estaban basadas en un equilibrio apropiado el cual llegue a un punto exacto entre lo real y lo ideal, inspirándose entonces en la Antigüedad.
A diferencia de la neoclásica, esta escultura se distinguió por las expresiones plasmadas en sus personajes, los cuales denotaban emociones violentas y movimientos exagerados, estilo característico posteriormente, ejecutando técnicas de boceto. La Marsellesa de Francois Rudé sobre el arco de Triunfo de París nos muestra un claro ejemplo de la escultura romántica de aquel tiempo, elaborada por uno de los principales artistas del periodo. El escultor, tomando como base principal las formas griegas y romanas, en fuentes modernas y en la composición barroca, carga de intensidad psicológica y física un acontecimiento contemporáneo.
Las figuras de Rudé se asemejan y van acorde con el estilo de las obras maestras helenísticas, como el Laocoonte el cual sirvió de inspiración a Miguel Ángel cuando se excavó en Roma a principios del siglo XVI. La asombrosa animación de las figuras y la densidad de la composición lograda mediante la exageración del gesto y el detalle anatómico tienen mucho en común con el ultrarrealismo de la escultura helenística.
Las cabezas giran, los cuerpos se retuercen, los brazos y piernas se enredan siguiendo leyes que no son de este mundo. Sin embargo, la representación de detalles ultrarrealistas puede pretender aspirar en cierto modo al naturalismo François Rude, Las figuras de Rude, estrechamente relacionadas en un espacio poco profundo, “electrificadas” por una compleja estructura de de Triunfo, París luces y oscuridad, amenazan con estallar hacia delante y soltar sus amarras de ladrillo.
Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en mármol blanco, sin policromar, puesto que así se pensaba que eran las esculturas antiguas, predominando en ellas la noble sencillez y la serena belleza que Winckelmann había encontrado en la escultura griega. En las e esculturas prevalecerá la sencillez y pureza de líneas, que lo diferenciara del Barroco.
El retrato también ocupó un importante lugar en la escultura neoclásica; Antonio Canova (1757-1822) representó a Napoleón como Marte (1810, Milán) y a su hermana Paulina como Venus Victrix (1807, Roma) tomando así los modelos de los dioses clásicos.
Otro importante escultor fue Jean-Antoine Houdon (1741-1828) con su Voltaire anciano (Museo del Hermitage) o el busto de la Emperatriz Josefina (1806). Ambos con un retrato idealizado pero al tiempo realista que captaba el sentimiento del retratado.
En el año 1789 se dió la famosa Revolución Francesa que como todos sabemos dió lugar a un gran conflicto político, social e industrial que convulsionó Francia y a muchas otras naciones de Europa que enfrentaban a partidarios y opositores del sistema que denominaron Antiguo Regimen; las clases sociales medias y populares se oponían a este sistema que estaba dominado por la aristocracia.
La burguesía ilustrada pretendió criticar al mundo corrupto, es por esto que se dieron ciertos ataques que desmerecían el recargado y frívolo Arte Rococó.
Es por esto que Denis Diderot, importante escritor y filósofo francés, propone un arte que vuelva a la serenidad del sobrio arte antiguo. Se vieron en la fuerte necesidad de buscar un estilo de arte severo en un país donde la situación era completamente insostenible.
Los objetivos principales de este arte era exaltar el bien cívico, la moral, la armonía familiar y el bien común.
Los revolucionarios que ansiaban eliminar cualquier rastro del Antiguo Regimen encontraron en el Neoclasicismo la derrota de la aristocracia.
En esta época tambien surgen "Las Academias" que despreciaron el arte Barroco y defendían el "buen gusto".
El Rococó generó cierto agotamiento visual de las formas lo que ocasionó una fuerte crisis estética.
El punto central del Neoclasicismo se dió en Francia, pero se extendió por todo Europa y afectó a todas las formas artísticas.
Por otro lado, Roma tuvo gran concentración de viajeros y artistas extranjeros que querían concluir ahí sus estudios ya que se dieron a conocer unos importantísimos descubrimientos arqueológicos de unas excavaciones en las ciudades romanas Herculano, en el año 1738 y Pompeya en 1748 y el templo dórico griego en Pasteum, en el año 1750.
A partir de aquí se genera una bibliografía arqueológica, donde destacan Johann Joachim Winckelmann con su obra "Historia del arte de la antigüedad", Stuard con "Antigüedades de Atenas" y Lessing con "Laocoonte".
Mientras tanto Grecia continuó siendo dominada por los turcos y sus riquezas arqueológicas dueron dadas a conocer en Occidente a través de los libros ilustrados.
Pintura Fue un movimiento pictórico nacio en Roma en 1760, desarrollado en Europa. Movimiento situado entre el Rococó y el Romanticismo pues tienen elementos semenjantes.
Este movimiento fue una reacción al rococó hacia la frialdad aristocrática. Se buscaba un orden regido por la razón.
Predominó el dibujo, la forma, sobre el colorido(caree de pasteles); reforzados con luz clara y fría; Aveces se utilizaba el claroscuro. Se buscó reproducir sucesos de la época, como la revolución francesa, importante en el contexto social.
Artistas:
Jean Auguste Dominique Ingres (1739-1867), considerado superior a David. Su obra era compleja manteniendo elementos románticos teniendo líneas puras y predominando el dibujo sobre el color.
La bañista de Valpinçon.
David fue el máximo representante de la pintura neoclásica, representando en especial la revolución francesa. Cultiva un estilo realista en las vestimentas, las arquitecturas y los detalles arqueológicos. Obra conocida: Leónidas en las Termópilas (1814)
Antoine-Jean Gros (1771-1835): discípulo de David a quien le dejó su taller luego de exiliarse. Acompañó a Napoleón Bonaparte en su campaña italiana por lo que sus obras muestran mucho de este personaje histórico. Obra conocida: Napoléon sur le champ de bataille d'Eylau
El rococó es un estilo de carácter pictórico y decorativo del siglo XVIII de ornamentación elaborada, delicada y recargada. Corresponde aproximadamente con el reinado de Luis XV, Rey de Francia (1715 - 1774). Es un estilo que surgió en reacción al barroco clásico, pero eso no significa que no sea independiente y personal.
Deriva de la palabra rocaille -> rocalla.
En decoración: Su ornamentación de basa en los arabescos, conchas marinas, curvas sinuosa y asimetría. Exageración, superficialidad en decoración en clases altas. En pintura: Uso de los colores pasteles pálidos, colores luminosos, suaves y claros. Los escenarios que plasmas en su gran mayoría son bosques, naturaleza; y consta de una iconografía recurrente a la mitología. En arquitectura: muestra exteriores bastante sobrios e interiores con molduras diseñadas. Grandes ventanales los cuales toman un papel fundamental pues el motivo de éste es para observar los interiores recargados para complementar su exterior y decoración mobiliaria. Elementos clásicos se mantienen (arcos de media punta, frontones, etc.) demostrando su majestuosidad. Edificación, pebellón central (circular). Rodeado de jardines, decoraciones centrales. Se destacan los marcos en los ángulos rectos. Se ilumina o reduce el uso de esculturas monumentales, limitándolas. El estilo de los muebles complementa la decoración.
A diferencia del barroco, el rococó se caracteriza por la opulencia, la elegancia y los colores vivos, que contrastan con el pesimismo y oscuridad característica del barroco. Armoniza con la vida despreocupada y agradable de la sociedad, ansía y desentiende de cuestiones religiosas, pues manifiesta un arte de carácter mundano.
Características
EN LA ARQUITECTURA Son edificios externamente simples pero la decoración en su interior se caracteriza por ser muy recargada y se basa principalmente en líneas onduladas que generan un ritmo de curva y contracurva que se puede apreciar tanto en la arquitectura como en la pintura, escultura, etc. También tuvieron cierta influencia china por la que usaron piezas de porcelana, telas y lacas con lo que decoraban sus salones con estilos occidentales que se terminaron convirtiendo en sus temas más representativos.
EN LA PINTURA Abundaban los temas de fiestas galantes, aventuras amorosas y las historias pastoriles. Eran composiciones que expresaban alegría, frescura y cierta sensualidad por lo que predominaban los colores pasteles. A la mujer se le consideraba bella y sensual, por lo que se convirtió en la más grande inspiración de los artistas, como por ejemplo Luis Paret (IMAGEN ADJUNTADA), pintor español, nació en Madrid en el año 1746. Es el representante más importante de a pintura Rococó. Entre sus pinturs destacan:
EL BAILE DE LAS MÁSCARAS: pintada en el año 1771, con la técnica de óleo sobre lienzo y con un asunto o temática de circo o carnaval.
LAS PAREJAS REALES O FIESTA EN EL JARDÍN BOTÁNICA: pintada en el años 1770, con la técnica de óleo sobre lienzo y con un asunto o temática de celebración hípica
El Papa Sixto V fue quien inició con la transfomración urbana de Roma, asegurándose que los principales edificios religiosos estuvieran siempre conectados. Se tuvo la visión de que sea una ciudad capital barroca, dinámica y abierta en los límites. Ls centros focales del panorama urbano se subrayaron mediante la colocación de antiguos obeliscos egipcios y altas cúpulas
Esta arquitectura cedió su función cívica para ser un medio de exaltación a la ideología política o religiosa.; como por ejemplo, la plaza de San Pedro.
Iglesias:
De la Iglesia Gesú de Roma derivaron una seria de iglesias con plantas longitudinales centralizadas caracterizadas por usualmente tener una cúpula. Las fachadas tenían los elementos más marcadamente Barrocos, no se preocuparon tanto por la composición de las fachadas añadiéndole temas, sino configurando la forma de la fachada.
Civil:
La arquitectura civil se dividió en palacios(dentro de la ciudad) y villa del campo (fuerra de la ciudad)
El palacio italiano perteneció fiel a la tipología residencial del renacimiento, al igual que sus derivados europeos, con un cuerpo edificado cerrado en torno a un patio interno. Poseían cuerpos decorados y resaltados. Pódían tener forma de H con una entrada mediante un atrio que se hacía más estrecho que finalmente conducía a una sala.
Por otro lado, las villas de campos, denominadas châteux, se lelvaron a cabo mostrando complejos extensos. Estos no estaban tan dentro de la ciudad y el más notable ejemplo es el Palacio de Versalles, hogar de los últimos reyes de Francia antes de su revolución, siendo un símbolo de absolutismo francés.
Pintor y grabador holandés, nacido en Leiden un 15 de Julio de 1606. Considerado uno de los mayores maestro del periodo Barroco, pues a partir de sus numerosos trabajos (entre grabados y pinturas) y aportaciones a la historia del arte, los grandes historiadores han considerado a partir de él la llamada edad de oro holandesa. Sus obras fueron siempre muy populares. Entre sus mayores obras están sus únicos y magistrales retratos, autorretratos e ilustraciones de escenas bíblicas. También podemos destacar de Rembrandt su etapa de grabador 1626-1660 en la cual decidió experimentar con diferentes efectos de impresión, utilizando papel japonés (con mas frecuencia) o papel vitela. Hoy en día se conservan 27 grabados con temas muy parecidos a los de sus pinturas. Entre sus obras tenemos: • Autorretrato “El joven Rembrandt” (22años), 1628. • Renbrandt en 1632, en su época de mayor fama como retratista. • Autorretrato en el año de su fallecimiento en 1669, envejecido y de gran profundidad psicológica. • Abraham e Isaac, 1634 • Artemisa, 1634 • Tobías y el ángel, 1637 • Cristo resucitado se aparece a María la Magdalena, 1638, entre muchas otras. Como podemos observar Rembrandt es sin duda uno de los mayores representantes del estilo Barroco, siendo considerado el mejor pintor de la historia de Holanda por sus diferentes aportes a la pintura. ¿Sabias que? • Actualmente la mayor colección de Rembrandt se encuentra reunida en el Rijksmuseim de Ámsterdam. • Su domicilio hoy convertido en la casa-museo Rembrandt de Ámsterdam, expones muchos de sus grabados. • Fuera de su país la mayor colección de Rembrandt se encuentra en la Nacional Gallery de Londres, la Gemäldegalerie de Berlín, el Hermitage de San Petersburgo, la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde, el Louvre de París y otros museos en Nueva York, Washington, y Kassel.
RUBENS
Pedro Pablo Rubens nació en Siegens, Alemania, en el año 1577. Es considerado uno de los más grandes pintores flamencos del barroco del siglo XVII. En 1609 contrajo matrimonio con Isabella Brant y en ese mismo año fue nombrado como el pintor más importante de Flandés y requerido como pintor de corte del archiduque austriaco Alberto y de su esposa. Su Fama se extendió por todas ls cortes europeas. Finalmente falleció en 30 de Mayo de 1640.
Principales Obras
El estilo de Rubens se caracterizó por los contrastes de color, gran riqueza cromática y excelente juego de luces y sombas. Sus composiciones están llenas de dinamismo, sensualidad y sensibilidad emocional.
EL RAPTO DE LAS HIJAS DE LEUCIPO (1616)
Composión clásica y equilibrada, presentan un sentido de movimiento y dinamismo característico del barroco.
LAS TRES GRACIAS (1638)
Obra más conocida. Inspirada en personajes de la mitología griega. Son la representación de afabilidad, simpatía y delicadeza.
SATURNO DEBORANDO A SUS HIJOS (1636-1637)
Es uno de sus temas más dramáticos y consiguió éste resultado gracias al uso de la luz y el color.
EL JUICIO DE PARÍS (1638)
Considerado como uno de sus últimos trabajos, encargado por Felipe IV de España. Esta obra realza la belleza femenina idealizada por Rubens que tuvo varias versiones siendo esta la última.
Giovanni Battista Lorenzo Bernini (1598- 1680): Un hombre multifacético, arquitecto, pintor, escenográfo, dibujante, destacado en la escultura por los detalles en la textura de la piel y vestimentas así como por la capacidad de reflejar los detalles del rostro como el movimiento las emociones. Su trayectoria se caracteriza por el gran número de proyectos que planifico. Sus principales obras fueron:
PLAZA DE SAN PEDRO EL VATICANO (1656 – 1667): BALDAQUINO, BASÍLICA DE SAN PEDRO DEL VATICANO. (1624 – 1633) PALAZZO BARBERINI
Franceso Borromini (Bissone 1599 – Roma 1667): Arquitecto profesional del movimiento barroco, conociendo el tema artístico por su propia práctica, la cual va más allá de la arquitectura queriendo innovar por sus formas, en sus obras predomina las formas arriesgadas y originales. Sus principales obras fueron:
SAN CARLO ALLE QUATTRO FONTANE (1634-1637) SAN JUAN DE LETRÁN (1646-1649) SANT’IVO DELLA SAPIENZA (1642-1660 CONVENTO DE LOS ORATORIANOS (1637-1643)
El arte barroco no solo abarca a la pintura y a la arquitectura, también podemos mencionar a la música barrroca, donde sin duda alguna los personajes más destacados fueron Antonio Vivaldi y Johann Sebastian Bach.
El barroco, como todas las artes anteriores y posteriores, influye de gran manera en nuestra perspectiva a cerca de los distintos medios de expresión existentes, pues inconcientemente han creado en nosotros hábitos comúnmente hallados en estas manifestaciones y que hoy en día ya forman parte de nuestra vida pero con ciertas adaptaciones, y nos basamos en ello para denotar cierta sensación que nos cause algún tipo de arte contemporáneo, es decir, en general todo lo pasado construye nuestro futuro y nos ayuda a enfocar las cosas de un modo más abierto, pues ya tenemos una mayor capacidad en conocimientos del tema.
El Barroco (1600 - 1750) sucedió en la cultura occidental, con obras en literatura, escultura, pintura, arquitectura, danza y música.
La palabra barroco fue inventada por críticos posteriores. Proviene de la palabra "barroco"(joya falsa.) El término expresa el concepto de artificio confuso e impuro.
En el barroco la arquitectura va frecuentemente unida al urbanismo, en este movimiento la ciudad se vuelve escenográfica. En este momento el Palacio como viviendas de personas poderosas, el hotel y el Templo son estructuras frecuentes en los pueblos. Distinta fue la historia de la arquitectura donde el tema del desnudo toma más importacia, además de que los temas desde luego, eran más mitológicos pero ante todo, era una escultura urbana donde estas obras adornaban las calles en unión con la arquitectura.
En la pintura sobresalen los temas religiosos, además que es una pintura realista que busca llegar al fiel a través de la emoción, tiene aún más movimiento. La pintura de esta época propició arte de bodegones y paisajes o la combinación de ambos con un buen uso de las luces y el contraste.
La historia es importante para cada uno sea diseñador o no pueda diseñar su propia historia.
Integrantes:
Cecilia Ramírez
Jamile Morey
Daniela Oliva
Mónica Núñez
